Мария МИХАЙЛОВА

Редакция в рубрике «Галерея» продолжает системно знакомить читателей с зарубежной и отечественной живописью.
Джованни Беллини, Тициан, Джотто, Рафаэль Санти, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буанаротти, Донателло, Джорджоне, Боттичелли, Альбрехт Дюрер, Ян Ван Эйк - это не просто герои своего времени, это титаны живописи и великие мастера одной из самых знаковых эпох в мировой истории искусства - Возрождения, или Ренессанса. Охватив в своем временном формате практически четыре столетия (с XIII по XVI в.), этот период в истории человечества стал основной точкой опоры для социальных и культурных мировоззрений. Созданные в то время идеалы до сих пор остаются неизменными канонами непостижимого понятия красоты.
В европейском изобразительном искусстве Возрождения впервые появляется Автор - то есть создатель, человек, примерявший на себя роль творца. И само понятие творчества появилось тоже именно тогда, во времена Ренессанса. Одной из ярких фигур, стоявших у его истоков, считается итальянец Джотто ди Бондоне. Он был представителем Флорентийской школы живописи, которая, по сути, являлась идейным двигателем гуманизма, потому вполне объяснимо, что самые главные принципы Возрождения появились, а затем получили широкое развитие именно в Италии. Об этом свидетельствует и закрепившаяся в истории искусства периодика этой эпохи на итальянский манер, исчисляющаяся столетиями (дученто, треченто, кватроченто, чинквеченто).
Джотто был одним из первых, кто осмелился, создавая для церквей фрески на религиозную тематику, отойти от главенствующих в то время законов византийской иконописи и интерпретировать свой художественный авторский замысел. Если взглянуть хотя бы на одну из его знаменитых фресок, выполненных для капеллы Дель Арена в Падуе, то, не вдаваясь в сложнейшие иконографические подробности, можно даже на уровне интуиции ощутить, что перед нами уже не совсем икона (деталь одной из фресок «Поклонение волхвов»), несмотря на изображение нимбов над головами святых. Это настоящая сюжетно-тематическая монументальная картина с характерами, образами и настроениями героев, а главное, с небеспристрастным отношением к происходящему самого художника. Здесь нет сложных зашифрованных символов, созданных по четким законам иконописи, сюжет понятен и доступен. Это и есть намек на ту самую апелляцию к светскости, которая, в понимании гуманистов состояла даже в доступности не изображаемого, а самого искусства, его выходу за пределы храма как совершенно нового, так необходимого в то время источника красоты.
В его поисках художники Возрождения стремились к совершенству в самом глубоком понимании - осмыслении высшего духовного идеала - божественного начала, которое в свое время нашло свое воплощение в искусстве Античности, в образах богов-символов - Аполлона и Афродиты (или Венеры в древнеримской мифологии). Мастерам Ренессанса удалось не только выразить свой взгляд на истинную женскую красоту, но и создать этот образ настолько реалистичным, что даже сейчас, много столетий спустя, редко кто усомнится в том, что богиня красоты была в точности такой, как на полотнах Боттичелли, Джорджоне или Тициана. «Спящая Венера» Джорджоне - подлинный шедевр живописи, пожалуй, самая знаменитая работа мастера, ставшая эталоном для многих художников в изображении жанра «ню», где главенствует целомудренное совершенство форм, живое обаяние, трепетная нежность - поистине божественная красота.
К слову, градация живописи на жанры была еще одним начинанием в период эпохи Возрождения, открытием в мировом искусстве. Появился портрет, причем в его философском понимании - с тонким психологизмом и проникновением во внутренний мир человека и человека-бога. Портреты Раннего Возрождения (XIII-XIV вв.), к примеру, характеризовались в основном профильным изображением светских персон, четким очертанием линий, подчеркнуто-высоким лбом у женщин (Гирландайо, Боттичелли). Такой ракурс лучше всего подчеркивал величественность особы, ее просвещенность и аристократичность. Во времена Позднего и Высокого Ренессанса портрет стал приобрать более мягкие, чувственные очертания, выявляющие, прежде всего, духовную составляющую человека.
Исторический жанр в то время часто опирался на мифологию и библейские сюжеты. Эта тема затрагивалась абсолютно во всех жанрах, в работах подавляющего числа художников Возрождения, идейные основы которого уже к XVI в. распространились практически по всей Европе.
Художники Северного Возрождения, можно сказать, переживали новое веяние в искусстве с еще большей обостренностью, здесь было больше меланхолии, пессимизма. Во многом сказывалось, безусловно, влияние средневекового готического стиля, несущего в себе хоть и стремление к высокому, но не без отсутствия страха неизбежности (вспомним, к примеру, нервно заостряющиеся пики готических храмов, ужасающие химеры и т.д.). Все эти, выражаясь современным языком, депрессивные последствия готики в той или иной степени отразились на понимании возрожденческого гуманизма в этих странах - Франции, Германии, Нидерландах.
Одним из величайших творцов Северного Возрождения по праву считается голландский живописец Ян Ван Эйк, которому также приписывают изобретение масляной живописи. Он первым увидел ее преимущество в наиболее реалистичном изображении образов, сцен и событий, выраженных в богатейших красках, оттенках и тонах. Наиболее известным произведением художника является «Портрет семьи Арнольфини», который вызвал не меньше диспутов и разночтений среди искусствоведов, чем вечно загадочная улыбка Моны Лизы Леонардо да Винчи. Эта картина стала настоящим ребусом, головоломкой, собранием символов и аллегорий (протянутые руки и отвернувшиеся друг от друга лица супругов, брошенная обувь, зеркало, преобладание красных тонов и т.д.).
Открытия этой эпохи, которые были совершены в искусстве, неисчерпаемы. Так, если ранее графика воспринималась только как дополнение к живописной композиции, в виде эскизов, набросков, чертежей, то в эпоху Возрождения рисунок стал самостоятельным видом искусства. Ведь графическое произведение художника - это его «лицо без кожи», строгий показатель профессионализма, где за тонкими линями карандаша, в отличие от мазков кисти, не скроешь врожденной технической оснащенности. Примером неоспоримой виртуозности в этом виде искусства является знаменитый немецкий живописец, рисовальщик и гравер эпохи Возрождения - Альбрехт Дюрер. Никогда еще графика не достигала такой стилистической самостоятельности, смысловой завершенности и философской глубины. «Сын человеческий» Дюрера - символ идеального сочетания внешней и внутренней красоты человека, достигшего своего апогея в образе святого. Человека мыслящего, справедливого, искреннего и благочестивого - творца эпохи Возрождения.
Но все же высочайшим пиком понимания и преподнесения красоты посредством изобразительного искусства являются произведения «четырех китов» художественного мира: Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело и Донателло.
«Тайная вечеря» да Винчи - высший образец рациональной, правильной живописи, с тонким математическим просчетом всех мельчайших деталей и ролей, благодаря которому в изобразительном искусстве стали применяться и подвергаться строгому анализу в оценивании произведения такие критерии, как перспектива, горизонт, композиция, соотношение свет-цвет и др.
И даже сейчас, когда многие представители современной художественной культуры всячески избегают в своем творчестве понятия «красивость», отвергая его принадлежность к произведению искусства, стоит вспомнить о шедеврах Возрождения, их красоте - идеальной, божественной, ставшей символом в мировом искусстве.