От рынка до Эрмитажа

Мария МИХАЙЛОВА

Проблема массовости и элитарности в изобразительном искусстве возникла вовсе не в ХХ в., когда стали широко применяться термины «масскульт» и «китч». По сути, она существовала всегда, только называлась несколько иначе. Любители и ценители, профессионалы и дилетанты были еще во времена Средневековья и даже в эпоху Возрождения, когда изобразительное искусство достигло своего технического и эстетического расцвета.
Монументальная живопись (роспись храмов, мозаики, фрески) стала дополняться станковой (писание на станке), которая к эпохе Возрождения дополнилась рядом новых функций. Если первая воспринималась людьми в основном как объект поклонения, то вторая стала представлять собой одновременно и метод воздействия, и продукт потребления. Свидетельство тому - многочисленные мастерские, мастера и подмастерья, которые зарабатывали деньги своим творчеством.
Безусловно, в произведениях всегда ценился авторитет художника, уровень его профессионализма, правильность пропорций в картине, соответствие изображения реальности. Яркий пример - Леонардо да Винчи. Он оттачивал свою технику непреодолимого совершенства, как бы доказывая, что и человек способен сотворить свой собственный мир, воплощенный в произведении искусства. Именно он, став идеалом для многих поколений художников, изобрел так называемое «сфумато» - сложнейший технический прием, представляющий собой игру света и тени, благодаря чему создавался эффект «воздушности». С тех самых пор понятие колорита в живописи перешло на новый уровень. Краска перестала быть простым пигментом (то есть цветом в его декоративном понимании - красный, желтый, зеленый), а стала одновременно и пространством, и композицией, и изображением. Поскольку Леонардо да Винчи до сих пор является одним из неоспоримых авторитетов в живописи, его технику часто представляют образцом совершенства. И действительно, сейчас вряд ли можно найти художника, который бы так скрупулезно изучал анатомию, прежде чем писать портрет, или же так виртуозно и мастерски накладывал бы слои краски, что их невозможно было рассмотреть и под микроскопом. Этот художник был действительно гениален в своей техничности. Но мало кто знает, что за всю свою жизнь он написал всего 14 живописных полотен. И все потому, что для него это была не демонстрация способностей, которую требует публика, а глубокая и отточенная философская и психологическая работа.
Как ни странно, но по прошествии стольких лет для многочисленных зрителей талант художника состоит именно в том, насколько хорошо он умеет рисовать. Нынешнюю публику интересует также то, как картину можно использовать в интерьере. Таким образом, одни из самых важнейших качеств живописи фактически трансформировались в обыденные потребительские ценности, превратив картину в «картинку». Однако подобный подход в корне неверен.
Умение рисовать отражается прежде всего в технике, которую избрал художник. Самые известные в мировом искусстве техники станковой живописи - темпера, масло и акварель. Темперная живопись (в состав краски входит яичный желток) в настоящее время используется только в иконописи, в светском искусстве в период ее возникновения (ХV в.) она употреблялась редко, сейчас - почти никогда. В основном потому, что это очень сложная техника: краски нельзя смешивать, надо накладывать очень тонкими слоями одну рядом с другой, без переходов. Поэтому масляная живопись, которая в скором времени вытеснила темперу, в этом смысле более выигрышна. Ее преимущества впервые заметил и использовал в своем творчестве выдающийся голландский живописец Ян Ван Эйк. В первую очередь, это колорит, т.е. красочное содержание картины. Оно стало намного богаче, и, что самое главное для художника - на холсте смогла восторжествовать фантазия во всех красках и тонах.
Ярким представителем одной из самых сложнейших техник - акварели - является английский художник Уильям Тернер. Краски здесь смешиваются не на палитре, а непосредственно на самой бумаге. Перед этим надо дождаться пока высохнет предыдущий слой, потому художнику-акварелисту невероятно сложно достичь желаемого эффекта. Эта техника сама по себе элитарна, и особенно ценна тем, что редко используется. «Массовой» ее назвать никак нельзя.
 Казалось бы, ни к чему уделять столько внимания технической стороне живописи, но именно она является основой колорита, сюжета и стиля. В живописи эти аспекты тесно взаимосвязаны, поэтому чтобы определить качество произведения, нельзя проигнорировать ни одну из его составляющих, так же, как и, казалось бы, такую незначительную деталь, как формат работы.
 Он чрезвычайно важен для понимания внутреннего содержания произведения и в какой-то мере помогает раскрыть творческий замысел художника, делает работу завершенной. Поэтому, выбирая картину в подарок или для себя, нужно всегда принимать во внимание не только личные ориентиры, но и то, насколько художнику удалось соблюсти внутренний и внешний баланс произведения.
Нельзя обойти стороной и, пожалуй, самый интересующий зрителя момент в картине - то, что изображено, или жанр работы. Под ним понимается то очевидное в картине, что привлекает внимание в самый первый момент. Изображение природы - пейзаж, вазы с цветами - натюрморт, человека - портрет, обнаженной натуры - «ню» и др. (всего в изобразительном искусстве насчитывается 10 жанров).
 Все вышеперечисленные элементы изобразительного искусства, конечно же, являются важными для понимания методологических основ живописи. Но как, отталкиваясь от этих основ, научиться видеть ту самую грань возвышенного и земного, элитарного и массового в искусстве? Ведь эти критерии могут быть применимы как к произведениям, выставляющимся в городских галереях, так и к сомнительным поделкам, продающимся на рынках. Как ни странно, но эту извечную проблему помогли решить художники-авангардисты, которые выдвинули на первый план в картине фактор: важно не то, что изображено, а то, как это сделано.
Стиль выражается чаще всего в колорите и технике, в теме и идее произведения. И когда все это достигает определенного равновесия в картине, можно говорить о той самой подлинности искусства. Но не всегда это достигалось одинаковыми способами, ведь одно дело - стиль в искусстве, а совсем другое - авторский стиль, или почерк художника. Например, французские живописцы, яркие представители постимпрессионизма - Поль Гоген и Винсент Ван Гог. Оба они, казалось бы, следовали одним и тем же законам стиля: обобщенности материального мира, воплощенного в необычайной ясности красок и четкости контуров. Но каждый из них отображал свой уникальный взгляд на мир, был подвержен своей частной идее, используя одни и те же изобразительные средства. У Гогена, скажем, яркость и несовместимость красок, построенных на контрасте, призывала к смелости и восторгу. Ван Гог, в свою очередь, во главу угла ставил шок, оставляя след болезненности, уныния и даже сумасшествия.
Картина всегда должна быть живой, на которую можно не просто смотреть, а буквально читать. И если в наше время кто-нибудь отложит в сторону любовный роман и отдаст предпочтение классике, значит, он нашел дорогу к подлинному и искреннему восприятию произведений искусства.